martes, 30 de junio de 2009

Los Tudor (2007-????). Tercera temporada


Tercera de las, parece ser, 4 temporadas que tendrá la serie sobre el reinado de Enrique VIII.

Se me ha hecho cortísima y, quizá por eso, me ha gustado más que las dos anteriores. Todo ocurre de manera bastante precipitada, despachando a dos de las esposas de las 6 que tuvo este rey en sólo 8 capítulos. A eso le añadimos que he visto un capítulo diario y se me ha pasado en un suspiro.

Me ha resultado más interesante al centrarse menos en los amoríos y puteríos de la corte (que siguen presentes, por supuesto) y más en tramas políticas y rebeliones, especialmente en la primera mitad de la temporada.

Mención especial merece Jane Seymour, todo un encanto.

Ya sólo queda esperar a la primeravera de 2010 para ver el desenlace. Algo paradójico, ya que llamándose Los Tudor bien podían continuar con los reinados de Eduardo VI, Bloody Mary e Isabel I (y, ya puestos, haber empezado con Enrique VII) en vez de centrarse única y exclusivamente en Enrique VIII. De acuerdo que es el más interesante de los 5, pero Isabel I no fue moco de pavo, y sus hermanos también tenían su interés aunque fuera para hacerles una temporada entre los dos.

Un 7.

lunes, 29 de junio de 2009

Invitado especial: Ulises. Shunji Iwai

Tengo el orgullo de presentar a un nuevo invitado: Ulises, gran amante del cine oriental a quien conocí en el foro de Glénat. Nos habla de un interesantísimo director de cine del que aún no he visto ninguna película pero no dudaré en ponerle remedio muy pronto.


Shunji Iwai

Mi amigo Batto me pidió un artículo para su variopinto Blog, a lo que accedí anunciándole mi intención de hablar largo y tendido del que es mi director favorito, el japonés Shunji Iwai, nacido en 1963 en Sendai, director de cine, videoclips, anuncios publicitarios, guionista, compositor de bandas sonoras, actor ocasional, documentalista y mecenas de nuevos talentos bajo el paraguas de su productora Playworks, de la que han salido filmes como la multipremiada Hula Girls de Lee Sang-il o Rainbow Song de Naoto Kumazawa, coescrita esta última por el propio Iwai. Este talante multidisciplinar es importante de subrayar, ya que Iwai, al igual que otros contemporaneos suyos como Takashi Miike, Michel Gondry, Spinke Jonze o Sion Sono está de forma fundamental influido por la estética y lenguaje del videoclip y la televisión y una forma de expresividad basada en imágenes cortas y directas, pequeñas películas dentro de la película y momentos puntuales de gran explendor, conocidos ya popularmente como "momentos Iwai" y quizas la mayor de las características de sus filmes.

Así, despues de graduarse en la universidad de Yokohama a finales de los 80, por voluntad propia decidió integrarse en el mundo de la televisión, en donde veía la posibilidad de utilizar lenguajes menos trillados y más innovadores que los que en aquellos momentos le ofrecía la industria cinematográfica. De esta forma empezaría a rodar numerosos mediometrajes televisivos en los que plasmaría las que después serían las características definitorias de sus películas, experimentación formal, interés por la interioridad psicológica y emocional de sus personajes y, como ya he comentado antes, momentos especiales en los que condensar el decir de el filme en unos pocos segundos. De entre todas estas obras destaca de sobremanera Fireworks de 1993, quizás su primera gran obra y antecedente directo de algunos de sus posteriores trabajos para pantalla grande, sobre todo de aquellos destinados a dar una visión agridulce de la etapa de la adolescencia y la juventud.

Fireworks

Curiosamente su debut para el cine sería con otro mediometraje, Undo de 1994, trabajo experimental y diferente en formas de los que vendría después. Así, al año siguiente daría forma a su primer largometraje, la multipremiada Love Letter, protagonizada por Miho Nakayama en un doble papel en el que dos mujeres desconocidas entre ellas desarrollan una comunicación a distancia en la que deshilachan los recuerdos comunes de una persona fallecida relacionada con las dos.

Love Letter

Quizás Love Letter sea la película más "tradicional" de Iwai, la menos innovadora en cuanto a dirección y esquemas. Pero solo tardaría un año en estrenar una de sus películas más definitorias, Picnic (1996), protagonizada por Chara, Tadanobu Asano y Koichi Hashizume. En ella Iwai describe de forma tan brutal como poética el "picnic" de tres internos de un manicomio convencidos de aquel es el último dia del mundo. "Momentos Iwai" por todas partes y un final de esos que se quedan en la retina por siempre. Las radicales diferencias formales entre Love Letter y Picnic parecían poner a Iwai en un estilo imposible de encuadrar, aunque posteriormente se vería que el de Picnic sería el camino a seguir. Por cierto, y cotilleando un poco, Asano y Chara después de conocerse durante el rodaje, terminarían en el altar.
Picnic

Pero sin tiempo para respirar, ese mismo año estrenaría la que se convertiría en una película de culto y sorprendente éxito de taquilla, Swallowtail Butterfly, de nuevo con Chara, y protagonizada por la que se convertiría en una de sus actrices recurrentes, Ayumi Ito. La historia se desarrolla en una ciudad japonesa imaginaria llamada Yen Town, en la que inmigrantes de diversas nacionalidades malviven y se interrelacionan dentro de una sociedad que los desprecia y margina. El argumento se centra en el personaje de Ageha (Ito), que tras la muerte de su madre es acogida por Glico, una prostituta interpretada por Chara. La película en si es una amalgama de estilos en los que se mezcla la denuncia social, su tradicional poesía en imágenes y hasta el thriller.
Swallowtail Butterfly

Habría que esperar dos años para tener nuevas noticias suyas, y serían en forma de April Story (1998), protagonizada por Takako Matsu. Esta película retomaría en cierta manera el espíritu de Love Letter, aunque planteada de una forma mucho menos formalista. El argumento nos cuenta el ir y venir de Uzuki Nireno en los primeros dias desde su llegada a Tokyo para estudiar en la universidad. Vemos su deambular y la melancolía que parece siempre llevar consigo, pero hasta el final de la película no se nos dice qué es lo que la ha llevado hasta allí y el porqué de su caracter. Así, la película termina justo cuando el 99% de los filmes empezaría. Como anécdota, durante una escena en un cine, podemos ver proyectado uno de los trabajos de Iwai de su etapa universitaria.
April Story

Después vendría su surrealista participación como actor protagonista en Ritual (2000) de Hideaki Anno (sí, el de Evangelion), compartiendo escenas con Ayako Fujitani (sí, la hija de Seagal). Siendo generosos, calificaremos su actuación como "curiosa".

Y llegamos al 2001, año de la que es mi película favorita de Iwai, de esas que me acompañarán mientras viva, y objeto de una extensa veneración por el mundo adelante, All About Lily Chou-Chou, protagonizada por Shugo Oshinari, Hayato Ichihara y la pasaría a ser nueva actriz fetiche de Iwai ademas de favorita de un servidor, la debutante Yu Aoi. La película nació a partir de una falsa fanweb que Iwai creó como experimento formal, en la que, a partir de la premisa de una falsa historia "real" creada por el director al principio, los miembros del foro iban desarrollándola según lo que ellos pensaban que podría haber ocurrido en la realidad. En la película, Iwai desarrolla la historia de unos adolescentes durante sus años en el instituto a partir de dos planos de comunicación, por un lado un chat de fans de la cantante ficticia Lily Chou-Chou, lleno de expresividad de sentimientos y, por otro lado, el de la vida real, en el que la violencia parece ser la única forma de relación existente. Seguramente los "momentos Iwai" mas conocidos se encuentren en esta película, como los protagonizados por Aoi con las cometas o la del baño en la charca y quizás esta película sea el mayor ejemplo de la profundidad con la que Iwai entiende los conflictos internos de cierta juventud japonesa actual.
All About Lily Chou-Chou

Y así llegamos al 2004, año de la hasta ahora última película del personaje que nos ocupa, Hana & Alice, protagonizada por Anne Suzuki y Yu Aoi. Si Lily Chou-Chou tuvo un nacimiento curioso, esta no lo tuvo menos. Ocurrió que para celebrar su aniversario, la marca KitKat decidió encargarle a Iwai la realización de tres anuncios especiales. Para ellos, Iwai contó por un lado por quien era la imagen televisiva de la marca, Anne Suzuki, y él por su parte añadió a Yu Aoi. De esta experiencia le vendría la idea de llevar a la gran pantalla la historia de los dos personajes. El filme no es más que el desarrollo en pequeñas escenas de lo que es el día a día de la vida de Hana y Alice, tanto en su vida en común como por separado. Destacan precisamente esas pequeñas escenas, maravillosos cortos llenos de "momentos", además de la excepcional química de las dos protagonistas.
Hana & Alice

Y bueno, desde aquella Iwai anda centrado en trabajos de productor, guionista u ocasional director. Destacan sobre todo su documental sobre el veterano director Kon Ichikawa, "The Kon Ichikawa Story" (2006) o su participacion en la película de varios directores New York, I Love You (2009) (ya había participado anteriormente en el 2002 en un segmento de Jam Films)

Para terminar, destacar la gran importancia que siempre ha dado a la música en sus filmes, componiéndola él mismo (como en Hana & Alice) o dejándola en manos de sus habituales Takeshi Kobayashi o Remedio.Y finalmente, y como se habrá notado, la filiación del director por los personajes femeninos, a los que siempre da una profundidad y relevancia superior a los masculinos, acompañado siempre por un elenco de actrices destacadísimas.


Ha sido un placer.

domingo, 28 de junio de 2009

Dragonball Origins (NDS)


Videojuego de aventuras y acción que adapta el comienzo de Dragonball, concretamente hasta que termina el primer torneo de artes marciales.

En todo momento controlamos a Goku, aunque a menudo nos acompaña Bulma con una pistolita que apenas hace daño a los enemigos, de modo que resulta más una carga que una ayuda, salvo en ciertos momentos en que puede sacar armas más poderosas.

Es un juego muy entretenido... hasta que comienza a ser repetitivo. Y es que hay que hacer constantemente lo mismo. Casi todos los niveles consisten en un combate o en avanzar por diversos escenarios resolviendo puzzles y cargándote a los malos. Los puzzles son muy repetitivos también, de modo que cuando Goku aprende un movimiento nuevo, ya sea con bastón o sin él, sale un nuevo tipo de puzzle que requiere ese movimiento y que se repetirá hasta la saciedad junto con los anterires. Los pocos niveles que se salen de la norma, como el reparto de leche durante el entrenamiento de Mutenroshi, son un coñazo.

El control es totalmente táctil, de modo que Goku se moverá hacia donde toquemos en la pantalla o atacará a quien toquemos. Para hacer el kamehameha u otros ataques especiales, habrá que hacer algún movimiento sobre la pantalla o tocar determinadas partes de la misma. Muy cómodo e intuitivo, y su única pega es que a veces tocamos a Bulma por error, con lo que hace su ataque especial, malgastándolo.

La música es lo peor del juego con diferencia. En la mayoría de los casos no pega ni con cola.

La traducción al español es decente, pero parece que el traductor no ha oído hablar de Dragonball en su vida, por algunas expresiones que utiliza y que de toda la vida han sido de otra manera.

Por el vídeo final parece ser que habrá al menos otra parte. Supongo que abarcará hasta el segundo torneo.

Para fans de Dragonball, como es mi caso, se deja jugar. Y al no ser largo (tampoco corto) no cansa demasiado a pesar de ser tan repetitivo. Los no fans ni os acerquéis.

Un 6.

sábado, 27 de junio de 2009

Baby, my love


Un buen día Kippei Katakura, un joven muy ligón de 17 años, se encuentra con que tiene que hacerse cargo de su prima de 5 años.

Es una historia muy tierna y sencilla y, en definitiva, un buen shôjo, muy recomendable tanto para fans del género como para los que no lo son (entre los cuales me incluyo) pero sí sepan disfrutar de una bonita historia que busca llegar al corazón del lector sin recurrir a la sensiblería.

Los pocos fallos que se le pueden achacar son que algunas de las subtramas acaban muy bruscamente y podían dar para mucho más, y que algunos de los personajes secundarios están muy poco desarrollados, como toda la familia de Kippei salvo su hermana y algunas de las compañeras del instituto.

Por último, pero no por ello menos importante, le quiero dar las gracias a Gea-chan por recomendármelo.

Un 7.

Romeo y Julieta de William Shakespeare (EEUU, 1996)


Tiene gracia que en el título aparezca "de William Shakespeare" cuando Baz Luhrmann ha hecho lo que le ha dado la gana manteniendo los puntos clave de la trama de la obra original. Y, como es habitual en sus películas, el principio es una mierda y luego ya mejora, aunque en ningún momento llega a ser algo digno de mención. Este señor debería haber visto unas cuantas adaptaciones de Shakespeare de Kenneth Branagh, Franco Zeffirelli o Laurence Olivier (de este último no he visto ninguna, pero estoy seguro de que tenía más idea de lo que hacía que Luhrmann) antes de reinventar a placer una de las mejores historias de amor que se han escrito nunca.

Aprueba gracias a unas pocas escenas acertadas (algunas de ellas verdaderamente grandes, lo reconozco) y a ese magnífico final que tiene. Eso sí, que conste que todas estas escenas que destaco son aquellas en las que menos han alterado la obra original.

Un 5.

viernes, 26 de junio de 2009

Compras manga de mayo y compra literaria

Hace 10 días, al salir de un examen, compré:
-Baby, my love. Tomos 1-7
Ya la he leído, mañana la comento.

Y hoy, al salir de otra, me he pasado por una librería normal a por La caza del carnero salvaje, que era el único libro de Haruki Murakami salido en España que no tenía, y por otra especializada en cómics a por:
-Monster 1. Dios, menuda pedazo de edición. Por mucho que había oído que era una pasada, hay que verlo para creerlo. Los 15 eurazos que cuesta me parecen incluso poco dinero.
-Hanzô, el camino del asesino 1.
-Pluto 1.
-Lady Snowblood regresa. Con estas 4, Planeta DeAgostini vuelve a ser lo que una vez fue en su línea manga, es decir, la mejor editorial de España por goleada.
-Eagle 5. En el tomo 4 me quejaba de la subida de precio, pero en este tocho ya me parece justificado. Y bueno, yo he tenido 10% de descuento (si no, no hubiera comprado ni el 4 ni este), así que genial.
-Naruto 41.
-Tokyo Style 1. No tenía ninguna intención de comprarlo, pero una vez que estaba en la tienda lo he visto y... no sé, me ha dado por ahí. Como no habían llegado Musashi ni Monster 2 me sobraba dinero y a la saca.

Vals con Bashir (Israel, 2008)


Documental de animación sobre la guerra del Líbano en el que el director Ari Folman plasma en imágenes las experiencias de los entrevistados y las suyas propias.

Interesante desde el punto de vista de las narraciones que cuenta sobre la guerra, pero más aún desde el punto de vista cinematográfico, dada la peculiar animación que utiliza. Además, con su corta duración de poco más de hora y cuarto hace difícil que el espectador se aburra. No obstante, la encuentro bastante sobrevalorada.

Además, la animación me parece un recurso muy inteligente, a la par que arriesgado, ya que con imagen real quizá no hubiera podido plasmar lo que de verdad quería a no ser que hubiese recurrido a un rodaje muy costoso con actores, ya que no habría imágenes reales de lo que quiere contar.

Me quedo con la escena en la que se van viendo los daños colaterales al intentar atacar a un coche en el que va el enemigo, matando a civiles y destrozando todo alrededor sin darle a él. Impagable.

Un 6.

jueves, 25 de junio de 2009

El curioso caso de Benjamin Button (EEUU, 2008)



Benjamin Button tiene la peculiaridad de nacer con un cuerpo anciano que se rejuvenece a medida que él envejece. En esta película veremos su vida al completo, una vida que va marcha atrás.


Curiosa, como dice el título, pero fallida en cierto modo. Es una buena película, sí, pero no tanto como se dice.


Niño


Para empezar, contarlo desde la perspectiva de un personaje viejo que recuerda la historia que de verdad importa, como se ha visto multitud de veces, no le sienta nada bien a la película. Ni a esta en particular ni a la inmensa mayoría de las que se hacen así. Solo sirve para alargar la trama innecesariamente, y en muchos casos quita interés al asunto al saber cómo acaba quien lo está contando. En este caso, de haberlo hecho de una manera más convencional se hubieran podido eliminar unos 20 minutos que aportan poco a la película y teniendo en cuenta que su duración está más cerca de las 3 horas que de las 2 le hubiera hecho mucho bien.

Adolescente


Por otro lado, debo reconocer que tiene momentos magistrales. Me quedo con la manera de narrar el atropello del personaje de Cate Blanchett por un taxi, donde se pone de manifiesto cómo todos estamos conectados y expresa muy bien algo que yo he pensado muchas veces, que una pequeña variación en nuestro comportamiento puede afectar a alguien totalmente ajeno a nosotros. Y sin duda ocurre a diario sin que nos demos cuenta. Además de esa, hay unos cuantos momentos más donde David Fincher se luce con la puesta en escena y la manera de contar la historia.

Joven


En cuanto a malos momentos en sí, no hay ninguno, pero su duración es suficiente inconveniente para alejar a la película de la obra maestra que pudo ser, y más teniendo en cuenta que se podía contar exactamente lo mismo en poco más de dos horas prescindiendo de las escenas con Cate Blanchett viejísima.

Con treinta y tantos


El trabajo de los actores es muy bueno, y destaco de entre todo el elenco a Blanchett y a Taraji P. Henson (la madre de Benjamin), de la que, por cierto, nunca había oído hablar. Pitt está muy bien, pero algo por debajo de ellas, y aun así no sé hasta qué punto lo que vemos es su actuación y hasta qué punto efectos especiales, ya que en gran parte del metraje su cara está totalmente modificada no sólo por el maquillaje, sino por el ordenador. El mismo año de esta película hizo una interpretación mucho mejor en Quemar después de leer, de los Coen, si bien la película dejaba bastante que desear.

Maduro

Un 7.

Viejo

miércoles, 24 de junio de 2009

Premios Batto. Vigesimosexta edición. 1975-1979

Mejor película
Alien, el octavo pasajero (EEUU, 1979)
Annie Hall (EEUU, 1977)
Barry Lyndon (Reino Unido, 1975)
Dersu Uzala (URSS, 1975)
Manhattan (EEUU, 1979)


Mejor dirección
Akira Kurosawa (Dersu Uzala)
Stanley Kubrick (Barry Lyndon)
Steven Spielberg (Tiburón)
Woody Allen (Annie Hall)
Woody Allen (Interiores)


Mejor interpretación masculina
Jack Nicholson (Alguien voló sobre el nido del cuco)
Maxim Munzuk (Dersu Uzala)
Peter Sellers (Bienvenido, Mr. Chance)
Robert de Niro (Taxi Driver)
Sylvester Stallone (Rocky)


Mejor interpretación femenina
Diane Keaton (Annie Hall)
Jodie Foster (Taxi Driver)
Meryl Streep (Kramer contra Kramer)
Shirley MacLaine (Bienvenido, Mr. Chance)
Sissy Spacek (Carrie)


Mejor guión
Annie Hall
Barry Lyndon
Bienvenido, Mr. Chance
Dersu Uzala
Manhattan


Mejor reparto
Un puente lejano (Sean Connery, Edward Fox, James Caan, Dirk Bogarde, Michael Caine, Robert Redford, Anthony Hopkins, Liv Ullmann, Maximilian Schell, Gene Hackman)




Mejor dirección artística
Barry Lyndon
La guerra de las galaxias





Mejor vestuario
Barry Lyndon
La guerra de las galaxias





Mejores efectos especiales
Alien, el octavo pasajero
La guerra de las galaxias

Superman
Tiburón



Mejor banda sonora
Grease
La guerra de las galaxias
Rocky
Superman
Tiburón


Peor película
Apocalypse Now (EEUU, 1979)
Fénix (Japón, 1978)
House (Japón, 1977)
King Kong (EEUU, 1976)
Los duelistas (Reino Unido, 1977)

martes, 23 de junio de 2009

Mujeres desesperadas (2004-????). 5ª temporada


Me encanta esta serie. Y pensar que cuando vi el primer capítulo estuve a punto de no seguir...

No hay mucho que añadir a lo que dije de las anteriores temporadas. Siguen ahí la genial mezcla de drama y comedia y los misterios.

Al empezar esta temporada me sorprendí, ya que yo pensaba que lo de "4 años después" del final de la anterior nos enseñaba cómo iban a acabar los personajes, pero que la serie continuaría donde siempre, con lo que estaríamos todo el rato preguntándonos cómo llegarían a esa situación. En vez de eso, efectivamente empieza ésta 4 años después, con lo que a base de flashbacks se nos va desvelando poco a poco cómo acabaron así los personajes. Además, sirve para no tener que tirarse un tiempo Susan con un bebé, que no da tanto juego como un niño pequeño, o para no estar 4 temporadas con Orson en la cárcel sin salir o saliendo muy poco.

Como siempre, magnífica. Y, como siempre, es fascinante la manera en la que enlazan unas subtramas con otras.

Por último, quiero mencionar lo único que no me ha gustado. El desenlace de la subtrama de Dave. Eso de que no mate al hijo de Susan porque en el último momento ve a su hija y le entran los remordimientos me parece una cagada y la salida fácil, algo que no le sienta bien a una serie en la que no paran de sorprender al espectador. Tendría que haber matado al niño o los guionistas tendrían que haber pensado en otra manera de salvarle.

Por cierto, una preguntita para los que hayan visto esta temporada. ¿Con quién creéis que se casa Mike al final? ¿Con Susan o con Katherine? Yo apuesto por Susan, aunque con esta serie nunca se sabe y lo mismo nos dan la sorpresa con Katherine. O incluso con otra. Si contestáis en los comentarios, poned simplemente "Susan", "Katherine" o "otra" (y aparte otras cosas que queráis comentar) para evitar spoilers a otras personas.

Un 8.

lunes, 22 de junio de 2009

Invitado especial: Eter. La cultura de lo visual

He aquí otro invitado que escribe para mi blog. Con todos ustedes, Eter, de La torre del nigromante, con unas interesantes reflexiones sobre el séptimo arte.



La cultura de lo visual

A lo largo de la historia la narrativa siempre ha estado en constante evolución. Este artículo está enfocado principalmente al mundo del cine, pero esta es una característica que vemos en otros medios como la música, el teatro o la misma literatura. Cada cierto periodo tiempo surgen obras que, por el éxito que cosechan o por aportar nuevas ideas narrativas, sirven de inspiración o son sencillamente copiadas por sus sucesoras. No es algo criticable, un autor puede haber creado una historia, pero esta y la forma de narrarla que use sin duda estarán condicionadas por aquellas obras que le hayan marcado durante su vida.

Este fenómeno está mucho más marcado en la época actual, donde la globalización hace que tengamos acceso a millares de obras. Donde los beneficios que puede acarrear una película exitosa son brutales, pero donde estos mismos acarrean un coste y unos riesgos nada desdeñables. El cine al que ahora nos enfrentamos ha dejado atrás esa pequeña “época plateada” que fueron los setenta de Coppola, Spielberg, Scorsesse, de Palma y Lucas para dar paso a una generación de directores salidos de los videoclips de la MTV; directores para los cuales la imagen esta muy por encima de la historia, algo que por desgracia esta demasiado bien visto por los productores que financian las películas. Naturalmente hay excepciones que confirman la regla y podemos ver como de estos entornos “menos académicos” han salido auténticos referentes del cine actual como David Fincher o ese maestro de la puesta en escena que es el mismísimo Ridley Scott, pero lo normal es encontrarnos ante directores meramente funcionales que creen que una explosión vende más que una buena frase.


Los primeros blockbuster lo fueron por calidad, no por presupuesto


En los tiempos de crisis en los que nos encontramos podríamos usar un símil de “burbuja de FX”. Para comprenderlo sería conveniente echar la vista atrás, hasta los años 40. Los años 40 siempre han sido considerados como la época dorada del cine. Particularmente no es mi década favorita, pero es obvio que se hicieron grandes películas y que el cine supo pasar de la imagen muda a la imagen sonora. Pero tras esta década el mundo del cine se vio conmocionado por dos fenómenos a los que llamó Televisión y Technicolor. La primera era una amenaza mucho más grande que la radio, era el cine en casa, un método para ver películas –y noticiarios y concursos- sin tener que afrontar el ritual casi social que por aquellos años era el cine. La segunda fue el arma que los estudios esgrimieron contra aquella amenaza. El cine más espectacular que nunca, en color, en gran pantalla. Fue la época dorada del peplum. Lo que importaba era hacer siempre la película más grande y más espectacular, e incluso se añadían referencias religiosas a fin de llevar a los fieles a las salas. Al final ese modelo estalló, los presupuestos se disparaban para mostrar los decorados más impresionantes que se podían ver, y esto ocasionaba que las películas fueran demasiado costosas como para que pudieran ser arriesgadas. Cualquier elemento original era inmediatamente copiado y exagerado hasta donde el presupuesto permitiera. Pero la espectacularidad tenía un precio, y ese era la originalidad.


La megalomanía de Bronston: grandiosos escenarios, grandiosas historias y grandiosos casting


Hemos vuelto a esos tiempos. Ahora la amenaza se llama Internet, y es una amenaza tan grande que dudo que el cine 3D pueda siquiera hacer algo. Nos encontramos en una sociedad dominada por la información y precipitada hacia una espiral de globalización infrenable. Hollywood, como siempre, como cualquier gigante instaurado en una posición cómoda, responderá a esta nueva sociedad con retraso. Anquilosada en una forma de negocio anticuada, tratará de perpetuar el modelo en el que ahora mismo se siente tan cómoda. Vemos como trata siempre de mostrar el producto más y más espectacular. Esto siempre se ha hecho, pero ahora es cada vez más peligroso. Como los decorados que recreaban Roma, los FX son cada vez más caros, y una producción cara implica que no puede fracasar en taquilla… y eso conlleva un gasto superior en efectos especiales para que la película sea lo más espectacular posible y, por supuesto, no parezca desfasada. Y con tanto dinero en juego el director no puede seguir el libreto original del guionista y plasmar el final oscuro que era consecuencia lógica de todo lo que nos había mostrado antes, tiene que optar por un final relativamente alegre (y si puede, dejar algún cabo abierto para una hipotética segunda parte). Por desgracia, lo peor no es que la enésima película de efectos no tenga argumento, lo peor es que al ser tan cara ha de ser rentable, y eso se consigue con publicidad, la publicidad es más importante aún que el guión, las estrellas (la publicidad es la que verdaderamente las fabrica) o los cacareados efectos especiales. El cine es un negocio, lo importante no es hacer un producto, es conseguir venderlo; y si se consigue vender poco importa si es bueno o malo. La manera más fácil de vender un producto es anunciarlo, saturar al posible espectador con información sobre él, y esto consigue no sólo que la película sea vista si no que sea expuesta. Si una película se encuentra en unos multicines y ha sido publicitada, será vista por una gran cantidad de público que no pretende otra cosa que pasar el tiempo durante dos horas. Esta prostitución del séptimo arte no puede ser verdaderamente criticable, es un intercambio perfectamente acordado: placebo artístico a cambio de dinero. Si alguién quiere ver una película escatológica e histriónica -pero, por supuesto, con moraleja y final feliz- protagonizada por la última estrella del "Saturday night live", yo no puedo decir nada contra ella, que la disfrute. Sin embargo, esto ocasiona un daño colateral al público verdaderamente cinéfilo. Una película normal no puede competir en publicidad con ninguna que salga del ámbito de Hollywood, será por tanto una película muy desconocida en general, y esto motivará que los exhibidores prefieran ocupar la sala en la que la pondrían con la cuarta copia de sus multicines de la tercera entrega de "Los vengadores vs La liga de la Justicia 3: el retorno del apocalipsis".


Por muy buena que sea, una película no puede competir de igual a igual en taquilla con otra que gasta 10 veces más en publicidad


Y en este mundo actual, donde la información lo es todo, la publicidad es más importante que nunca. No es necesario hacer una buena película, sólo hay que tener una idea que se pueda vender atractivamente en un trailer , un título que por rentas pasadas atraiga a espectadores o un actor taquillero; una vez se consiga uno de estos elementos sólo hay que exprimirlo hasta lo imposible y un poco más. Ejemplos tenemos demasiados como para contarlos. Actualmente Hollywood parece que sólo sabe hacer películas de superhéroes o remakes de series antiguas y películas no tan antiguas. A falta de guión se juega con la nostalgia del posible espectador y se apuesta sobre valores seguros. Así todos recordamos la oleada de películas de fantasía de dudosa calidad que sucedieron al éxito de “El señor de los anillos”, “Harry Potter” y, en menor medida, “Gladiator” y “Braveheart”. El éxito de “Scream” relanzó el género del terror adolescente, que luego con “Saw” directamente se enfocó hacia el gore. “High School Musical” y “Hannah Montana” directamente son episodios de sus respectivas series alargadas y, habiendo existido una película de “Los Simpsons” o “Sexo en Nueva York” es cuestión de tiempo que nos llegue una de “Friends” u otra de “Expediente X”. Por supuesto, un caso aparte son todos esos actores que se dedican a repetir una y otra vez un papel de bufón o uno de drama barato como un Martin Lawrence, un Steve Martin o la inmensa mayoría de los actorzuchos que no han cumplido 30 años y que podemos decir que son estrellas porque simplemente son fotogénicos.


El negocio del Hollywood actual: Adaptar un éxito de otro medio con público fíel a una franquicia cinematográfica


El porvenir del cine actual es muy oscuro. Las películas se enfocan hacia un público claramente infantil y adolescente que exige “no pensar” durante las dos horas de proyección. Naturalmente, ocasionalmente se escapa alguna que otra obra maestra y dentro de 20 años serán estas las que recordemos y las que nos hagan pensar que esta fue una buena época, pero cada vez veo más próximo una explosión de esta burbuja de efectos y guiones fáciles en la que nos encontramos. Ver la batalla de los campos de Pelennor no es espectacular y emocionante porque haya millones y millones de orcos, lo es por la misma razón que sigue siendo igual de épico ver a Kanbei y seis samuráis más defender un pequeño pueblo de los bandidos medio siglo después de que se rodara “Los siete samuráis”. Como dice el tópico, el mejor efecto especial siempre es el guión.


Por suerte siempre hay una luz al final del túnel


domingo, 21 de junio de 2009

The Legend of Zelda: Majora's Mask (N64)


Tras los sucesos acaecidos en The Legend of Zelda: Ocarina of Time, Link abandona Hyrule y al llegar a un nuevo lugar se encuentra con un misterioso enmascarado que le roba la ocarina del tiempo y a su yegua Epona y le transforma en Deku. Link no sólo tendrá que recuperar su apariencia, su ocarina y su montura sino que tendrá que evitar la destrucción de ese nuevo mundo evitando que la Luna caiga sobre él.

De lejos el peor Zelda en 3D, y es también peor que algunos 2D.

Para empezar, es muy corto. Tiene tan sólo 4 mazmorras.Y encima, lo que hay que hacer antes de acceder a cada una de ellas no es una maravilla, precisamente, siendo en algunos casos algo meramente entretenido y en otros un verdadero coñazo. Dentro de ellas, eso sí, el juego está casi al nivel al que nos tienen acostumbrados en la saga, si bien las mazmorras están algo por debajo de la media. Y, de propina, el sistema de guardado es una mierda.

Le han dado gran protagonismo a las máscaras que en Ocarina of Time no servían para casi nada, de manera que tenemos 24 que confieren a Link determinadas habilidades. No obstante, muy pocas de ellas son necesarias.

Para alargarlo un poco lo que han hecho es añadir multitud de búsquedas secundarias, en la inmensa mayoría de los casos opcionales. Muchas de ellas son realmente tediosas de realizar, ya que hay que estar un día concreto a una hora determinada en un sitio particular, y aunque con la ocarina se puede avanzar en el tiempo, no se puede ir a una hora precisa, sino sólo a las 6 de la mañana o de la tarde, con lo que habrá que esperar constantemente a que ocurran ciertos eventos mientras no paramos de ir de un lado a otro.

Supongo que tenían prisa por sacarlo para repetir el éxito de su predecesor, y el resultado se ha resentido en ese aspecto. No en otros, ya que la calidad gráfica y de la banda sonora están a la altura. Si se hubieran tomado su tiempo en hacer más mazmorras, que todas las máscaras fueran necesarias en algún momento y que las búsquedas secundarias fueran en su mayoría obligatorias y más entretenidas les habría salido uno de los mejores videojuegos de la historia. Una verdadera lástima.

Un buen juego. Un mal Zelda.

Un 7.

sábado, 20 de junio de 2009

Marmalade Boy


Miki Koishikawa y Yû Matsura son dos adolescentes cuyos padres cambian de pareja entre sí y deciden vivir todos juntos en la misma casa.

Un manga muy entrañable que me ha hecho pasar muy buenos ratos, combinando los típicos amoríos de instituto del género con grandes dosis de humor e incluso un poquito de misterio sobre el pasado de los personajes que da mucho juego.

En el otro plato de la balanza pongo algo de lo que pecan muchas historias similares: que la autora pretenda hacernos creer que a esas edades los enamoramientos duran tanto y no se pasan con el tiempo y la distancia. Y, además, la explicación del final está cogida con pinzas.

Un 7.

viernes, 19 de junio de 2009

El coleccionista (Reino Unido, 1965)


Un hombre secuestra a una joven y la encierra en un sótano. No busca obtener un rescate ni abusar de ella. ¿Qué pretenderá?

William Wyler consigue crear tensión y poner nervioso con esta claustrofóbica película en la que, al igual que en otras como Hard Candy o La huella, en la inmensa mayoría del metraje aparecen sólo dos intérpretes. Generalmente en este tipo de películas, cuando son buenas, ambos están que se salen. Pues bien, no es éste el caso. Si bien Samantha Eggar lo borda, Terence Stamp sobreactúa. O al menos eso pienso yo, pero después de ver la película vi que ganaron mejor actriz y mejor actor en el festival de Cannes y me sorprendió lo de Terence Stamp. Quizá no le aprecio yo como se merece. O quizá si y le sobrevaloraron.

Coproducida entre el Reino Unido y EEUU, estuvo nominada a los oscar de mejor actriz, director y guión adaptado, sin ganar ninguno. Creo firmemente que es mejor película que las nominadas de ese año. Me da la risa de pensar que consideraron mejor que ésta a Doctor Zhivago y Sonrisas y lágrimas (esta última ganadora ¬¬), que desde luego no están mal, pero no son tan buenas como El coleccionista. Las otras tres nominadas no las he visto, así que no puedo opinar, pero entre que no había oído hablar de ellas y que no tienen muy buena pinta que digamos, no creo que sean mejores que ésta. Pero bueno, ya se sabe cómo son estas cosas.

Un 8.

jueves, 18 de junio de 2009

After Dark


Mari Asai es una joven de 19 años que decide pasar una noche entera leyendo en un restaurante, pero sus planes cambiarán cuando se encuentre con un chico al que apenas conoce. Mientras tanto, su hermana Eri está sumida en un letargo del que lleva meses sin despertar.

Ya sólo me falta por leer La caza del carnero salvaje de lo que ha salido en España de este autor. ¡Que traigan más!

Aunque no es de las mejores novelas de Murakami, After Dark es la que más recomiendo como primera lectura suya. Es bastante corta y muy amena, y muestra perfectamente el estilo del autor, que nos plasma escenas surrealistas y oníricas con tal naturalidad que ni te cuestionas la lógica de lo que estás leyendo, aunque a menudo tenga poca o ninguna, y aunque si te paras a pensar muchas de las cosas que ocurren no tienen ni pies ni cabeza. Pero no importa. Lo que importa es dejarse llevar por la lectura de lo que ha escrito este grandísimo narrador, probablemente uno de los mejores escritores vivos que hay. No sé a qué esperan para darle el Nobel.

También quiero destacar de esta obra los diálogos. Son reales como la vida misma. Es algo que pocas veces se consigue (me viene a la mente ahora Pulp Fiction como otro ejemplo donde se logra). Los diálogos de libro o de película suelen ser eso, de libro o película, pero en este caso, Murakami consigue escribir conversaciones que perfectamente podríamos oír si acudimos a un bar y nos paramos a escuchar de qué hablan en algunas de las mesas.

Un 8.

miércoles, 17 de junio de 2009

Premios Batto. Vigesimoquinta edición. 1970-1974

Mejor película
El golpe (EEUU, 1973)
El padrino (EEUU, 1972)
Frenesí (Reino Unido, 1972)
La huella (Reino Unido, 1972)
La naranja mecánica (Reino Unido, 1971)


Mejor dirección
Akira Kurosawa (Dodes 'Ka-Den)
Alfred Hitchcock (Frenesí)
George Roy Hill (El golpe)
Joseph L. Mankiewicz (La huella)
Stanley Kubrick (La naranja mecánica)


Mejor interpretación masculina
Laurence Olivier (La huella)
Michael Caine (La huella)
Marlon Brando (El padrino)
Paul Newman (El golpe)
Robert de Niro (El padrino II)


Mejor interpretación femenina
Diane Keaton (El padrino II)
Ellen Burstyn (El exorcista)
Liza Minelli (Cabaret)




Mejor guión
El golpe
El jovencito Frankenstein
Frenesí
La huella
La naranja mecánica


Mejor reparto
El padrino (Marlon Brando, Al Pacino, James Caan, Robert Duvall, Diane Keaton, John Cazale, Talia Shire, Richard Castellano, Sterling Hayden, Gianni Russo)
El padrino II (Al Pacino, Robert de Niro, Diane Keaton, Robert Duvall, James Caan, John Cazale, Lee Strasberg, Talia Shire, Mariana Hill, Danny Aiello
)
La huella (Laurence Olivier, Michael Caine)


Mejor dirección artística
El padrino
El padrino II





Mejor maquillaje
El exorcista






Mejor banda sonora
El padrino
El padrino II





Mejor final
El golpe
La huella






Peor película
El coloso en llamas (EEUU, 1974)
El fantasma del paraíso (EEUU, 1974)
La última película (EEUU, 1971)
Malas calles (EEUU, 1973)
Pequeño gran hombre (EEUU, 1970)